不要温和地走进那个良夜——当经典诗歌与电影邂逅

原标题：不要温和地走进那个良夜——当经典诗歌与电影邂逅

当诗歌邂逅了电影，诗歌通过语言文字所形成的内部意义空间，与影像所呈现的具象世界形成了两种相互独立的“声部”。它们按照各自的艺术规律运行，却又能彼此衔接形成"对话"——就像巴洛克的复调音乐那样，共同推动电影的意义生成与叙事发展。

电影中诗歌的表现方式一般也是以语言文字为主，通过影片中人物独白或旁白的形式诵读。但是，这些以语言文字为表现形式的诗歌在电影中并不能孤立存在，必须通过互文、间离与陌生化等手段与影像画面结合，形成诗歌蒙太奇段落，才能成为电影的组成部分。这种诗歌与影像作品的主题、情节、人物塑造等方面的“互文性”关系，也是对影像文本进行意义构建的过程——新的文本不仅包含了诗人的情感，也承载了历史的解读。

诗歌原本漂浮的意象被重新演绎为生动而连贯的画面——通过影像呈现的诗歌将个人的审美想象具象化。陌生化的视听语言重新构建了诗歌本体，这种表达常常与观众的既定视野迥异，是诗歌与光影碰撞所带来的“新鲜地带”。光影艺术的画面和声音元素挖掘并重塑了诗歌之美，而诗歌中所蕴含的那些永恒主题——爱、时间、生命和死亡，以及诗歌这种传统精英艺术的趣味，则赋予影像画面更多的历史、文化沉淀，极大丰厚了电影的内涵。

NO.1

《星际穿越》/ 不要温和地走进那个良夜

不要温和地走进那个良夜，

老年应当在日暮时燃烧咆哮；

怒斥，怒斥光明的消逝。

虽然智慧的人临终时懂得黑暗有理，

因为他们的话没有迸发出闪电，他们

也并不温和地走进那个良夜。

善良的人，当最后一浪过去，高呼他们脆弱的善行

可能曾会多么光辉地在绿色的海湾里舞蹈，

怒斥，怒斥光明的消逝。

狂暴的人抓住并歌唱过翱翔的太阳，

懂得，但为时太晚，他们使太阳在途中悲伤，

也并不温和地走进那个良夜。

严肃的人，接近死亡，用炫目的视觉看出

失明的眼睛可以像流星一样闪耀欢欣，

怒斥，恕斥光明的消逝。

您啊，我的父亲。在那悲哀的高处。

现在用您的热泪诅咒我，祝福我吧。我求您

不要温和地走进那个良夜。

怒斥，怒斥光明的消逝。

《星际穿越》是克里斯托弗·诺兰执导的一部有关太空探险的科幻片。

影片以惨淡开始。在沙尘暴的蹂躏中，人们无计可施，步步后退——更可怕的是，人类因此放弃了野心与梦想，不再仰望星空。在家务农的库珀是位前NASA宇航员，他在女儿墨菲的书房发现了奇怪的重力场现象，进而得知在某个未知区域内，前NASA成员仍在秘密进行一项拯救人类的计划。在布莱德博士的劝说下，库珀忍痛挥别女儿，和其他三名专家，包括教授的女儿艾米莉亚一起，搭乘宇宙飞船前往目前已知的最有居住希望的三颗星球考察。

诺兰把他的太空梦，他对20世纪6、70年代宇宙探索黄金时代的回忆，以及他对人类进取精神的由衷敬意，转换成令人赞叹的视觉语言——让我们跟随影片主人公一起，穿越遥远的星系银河，窥见未知星球和黑洞的神秘壮观。影片中并没有光怪陆离的外星生物、邪恶的反派或炫目的空战，有的只是最真切的追求、最艰难的抉择和最现实的挑战。

▲《星际穿越》/ 狄兰·托马斯《不要温和地走进那个良夜》

片中布莱德博士反复念及的诗句："不要温和地走进那个良夜/老年应当在日暮时燃烧咆哮"，引自英国诗人狄兰·托马斯(Dylan Thomas, 1914-1953)的作品《不要温和地走进那个良夜》。狄兰是继W.H.奥登之后英国又一位重要诗人。他的诗作粗犷激越，意象密集，充满原始的生命力。不同于上世纪三四十年代英国诗坛的理性诗风，在传承"关注"和"表现"自然这一英国浪漫主义诗歌传统的同时，狄兰对"人与自然"的关系有了更进一步的思考。

"生、死"一向是狄兰诗歌的核心主题。《不要温和地走进那个良夜》是狄兰的代表作，写于1951年。诗中的“良夜”（that good night）和“光的消逝”（the dying of the light）都隐喻着死亡。诗人对个体生命即将终结的痛斥与怒吼，无疑就是对死亡正面地挑战，狄兰用这首诗鼓励当时病重的父亲。夜晚与白昼、黑暗与光明、温和与狂怒、死亡与生命，诗人通过排比与重迭的交替，层层铺陈，唤起父亲战胜死神的斗志。在一次又一次的抗争中，生命的意义与价值得到净化与升华。可以说，狄兰写死亡，旨在"征服"，对死亡的蔑视就是对生命的颂扬。整首诗气韵铿锵，格调激扬，具有浓郁的现代性和雄辩的悲壮之美。

而克里斯托弗·诺兰赋予这首诗新的含义，"不要温和地走进那个良夜/老年应当在日暮时燃烧咆哮/怒斥，怒斥光明的消逝"。当载着人类生存希望的飞船飞向太空，当布莱德博士在生命最后一刻依然不愿对命运缴械投降......“良夜”，既是对白昼的告别，也是对未知黑暗的迎接 ; "怒斥"，既是言诗明志，也是对探险者、困顿者的激励。地球彼时，已经迈入暮年——我们怒斥死亡，怒斥飞逝的光阴，怒斥这玄妙的宇宙。这不是某一个人的临终怒吼，而是为整个人类和星球的命运所迸发的不屈之声。

人类的不甘与进取，意志与热望，永无止息。

NO.2

《理智与情感》/ 莎士比亚十四行诗116

爱巍然矗立直到末日的尽头

我绝不承认两颗真心的结合

会有任何障碍；爱算不得真爱，

若是一看见人家改变便转舵，

或者一看见人家转弯便离开。

哦，决不！爱是亘古长明的塔灯，

它定睛望着风暴却兀不为动；

爱又是指引迷舟的一颗恒星，

你可量它多高，它所值却无穷。

爱不受时光的播弄，尽管红颜

和皓齿难免遭受时光的毒手；

爱并不因瞬息的改变而改变，

它巍然矗立直到末日的尽头。

我这话若说错，并被证明不确，

就算我没写诗，也没人真爱过

起源于中世纪意大利的十四行诗在16世纪时传入英国，经过改良与创新，在英国诗坛声名鹊起，成为一种重要的诗歌形式。英国有三位著名的十四行诗诗人，菲利普·锡德尼(Philip Sidney)、埃德蒙·斯宾塞(Edmund Spenser)和威廉·莎士比亚。其中，莎士比亚十四行诗不论从格式还是韵律上来说，皆为英体十四行诗之最。从诗歌的结构上来看，英体十四行诗为4-4-4-2结构，即由三个四行组(quatrain)和一个对句(couplet)组成，莎士比亚体(Shakespearean)的韵脚为abab—cdcd—efef—gg。这种诗歌的形式，不仅容易形成一种向前推进的辩论体，适于英国人理性的发挥，同时，不同段落使用不同的韵脚，也利于表现出英语丰富的韵律及节奏。

莎士比亚的这首爱情哲理诗，语言朴素，意象壮阔。第一个四行从正反两面引入诗人的爱情观：真爱不会受到任何阻碍，朝秦暮楚的爱情并非真爱 ; 第二个四行通过比喻来突出真爱的形象 ; 第三个四行强化真爱能对抗时间的腐蚀 ; 最后两行既是全诗的点晴之笔，又自成一联警句格言。

“Love’s not Time’s fool” 真爱不为时间愚弄。莎士比亚借这首诗表达的是对爱的信仰：唯有爱可以征服时间。

李安执导的影片《理智与情感》，改编自英国女作家简·奥斯汀的同名小说 。英国作家弗吉尼亚·伍尔夫曾这样评价简·奥斯汀 : "奥斯汀远比她表面上看来的那样更具有深刻的情感。她激发读者去填补语言之外的内容。她提供给读者的看似琐屑，但其中的内涵却足以拓展读者的思维，赋予读者以各种生活场景的永恒形式。"

无论从情节的推动、情境的渲染还是人物情绪的刻画，莎士比亚的这首十四行诗出现在影片中，都可以说是应景、自然，恰如其分。玛丽安和威洛比的一见钟情源于一场暴风雨。后来威洛比变心离去，玛丽安独自一人在山坡上远眺威洛比的庄园——又是一场暴风雨来袭，玛丽安因此身染重疾，命悬一线。暴风雨不仅是故事发生的重要契机，也意味着人物命运的重大转折。诗歌内容影射着两人暴风雨般骤至的情感，也暗示了它的短暂、不牢靠。

与威洛比疾风骤雨般的情感相比，布兰登上校内敛含蓄却坚定不移的情感无疑更令人动容。导演显然想要借助莎翁的诗歌表达这样一种信念：真正的爱情可以经得住暴风雨的考验以及时间的磨砺。上校的不离不弃、埃莉诺对爱德华的理解与宽容都是有力的证明。

“一个人总是不知不觉就熟悉莎士比亚了。”简·奥斯汀曾借她的书中人物之口道出莎士比亚在当时的普及性，“他的作品就好像英国宪法的一部分，毫无疑问每个人都在一定程度上了解莎士比亚，他笔下的那些著名段落被每个人引用，我们翻开的一半书中都有莎士比亚的句子，我们谈论莎士比亚，用他的比喻，按照他的方式描述事物。”

几个世纪之后，莎士比亚仍是“我们”的同代人。他的永恒性在于他的适时性，无论是诗歌还是戏剧，所展现的都是放之四海而皆准的人性本质——这才是经典永流传的奥秘。

NO.3

《四个婚礼和一个葬礼》/ 葬礼蓝调

葬礼蓝调

停止所有的时钟，切断电话，

给狗丢一根带肉的骨头，让它别叫，

让钢琴静下来，还有鼓，

抬出灵柩，让哀悼者前来。

让飞机在头顶盘旋哀鸣，

草草在天空写下：他死了。

把黑纱系在鸽子的脖颈，

让交警戴上黑色的棉线手套。

他曾是我的北、我的南、我的东、我的西，

是我的工作日和我的星期天，

是我的月亮、我的午夜、我的谈话、我的歌，

我以为爱可以永远，但我错了。

不再需要星星了，把它们都摘掉吧，

包起月亮，拆掉太阳，

倒掉大海，扫清森林，

因为现在一切都没有意义了。

《四个婚礼和一个葬礼》的编剧理查德·柯蒂斯(Richard Curtis)后来说，是自己参加婚礼的经历启发、诞生了这部作品——当时他意识到，自己在11年里竟然参加了65场婚礼。

轻松欢乐的婚礼VS悼念哀伤的葬礼，当人生最重要的两个场景戏剧般地相遇，英式幽默、诙谐与冲突在迷人的乡村画卷上徐徐展开。休·格兰特扮演的查尔斯虽是婚礼上的常客，却奉行单身主义，对婚姻一直持怀疑和抗拒态度。担任伴郎的他在一场乡村婚礼上与美国姑娘凯利相遇，并对她一见钟情。

“如果两个人没有话说了，那么他们还可以做什么？他们可以结婚，这样他们又会有话题。”片中多场不同含义的婚礼——那种不是以强烈的感情为基础的婚姻——是揭示也是讽刺。查尔斯对"爱情—婚姻"关系不断变化的认知，也促使观众对现实中婚姻观念的审视与反思。

W.H.奥登的诗歌《葬礼蓝调》出现在影片中的葬礼场景。马修和盖瑞夫是一对相恋多年的同性爱人。作为同性恋人，当时的社会不可能允许他们举办一场属于自己的婚礼。盖瑞夫意外离世，马修以朋友、伴侣的身份参加他的葬礼，并以这首《葬礼蓝调》致辞，缅怀他们共度的美好时光——全片唯一的葬礼，倒是建立在真爱基础之上、真正意义上的"婚礼"。

"停止所有的时钟，切断电话/给狗丢一根带肉的骨头，让它别叫"，诗歌第一节中很多象征个人与外界进行日常交流的途径，都被消了音，只有低沉的鼓声伴随灵枢和哀悼者的出场。第二节中出现了叙述者所能容忍的另一个声音：飞机的盘旋哀鸣，他要借助这种低鸣向外界传递出悲伤的讯息，他还要让周围的一切都回应他的悲伤。第三节通过方位名词和时间概念，痛失所爱的伤痛呼之欲出......《葬礼蓝调》的魅力还体现在匠心独运的句式上 : 整齐的祈使句和排比句式，声势浩荡，气势磅礴，与叙述者的悲情相互渗透，真切的情感在个人和外部空间循环流淌。

"他曾是我的北、我的南、我的东、我的西/是我的工作日和我的星期天/是我的月亮、我的午夜、我的谈话、我的歌"，马修深情的告别令人动容，这又何尝不是菲菲(Fiona)的内心独白 ? 自见到查尔斯的第一眼起，菲菲就喜欢上了他。在一次婚宴上，她对邻座说 : "我早已有了意中人，只是他还没有爱上我。在我不爱他之前，没有人会有机会。"作为最熟悉、了解查尔斯的好友，菲菲有她的无奈与失落，更有她的守候与坚强......我想，写剧本的人，一定也对她心生敬意，所以，才会赋予她这样优雅洒脱的举止，这样从容大度的胸怀。

"我以为爱可以永远/但我错了"。有时候，爱的失却，才会让人明白真爱曾经来过 ; 爱而不得，才是生活令人唏嘘的本来模样。

可以说，一场突如其来的葬礼呈现的正是人生悲喜交加的本色。

这部理查德·柯蒂斯修改了17稿才完成编剧的喜剧电影，当年取得了巨大的成功。440万美金的小成本制作，在全球一共收获了2亿4千万美金票房，打破英国本土电影的票房记录。1994年可是个佳片成堆的年份，在《肖申克的救赎》、《阿甘正传》、《低俗小说》这样神作的夹击下，《四个婚礼和一个葬礼》依然拿到了国际上一个又一个大奖，次年还获得了奥斯卡奖的提名。

伴随着电影的热映，奥登的作品也得到越来越多的关注——收录了"葬礼蓝调"的诗集《告诉我爱的真相》，在电影上映后的销量达到25万册，被英国学者艾比·加林顿(Abbie Garrington)称为“也许是奥登最著名的作品”。

1999年BBC进行的一项民意调查显示，《葬礼蓝调》位列英国最受欢迎的现代诗歌前五名。

熊琦/文

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